ARTE POP

DAVID HOCKNEY

Esta es una imagen que muestra una escena de su famosa series de piscinas. Retrataba a gente de lujo en sus casas, siempre en un ambiente cuotidiano pero a una población rica, donde se muestra su poder adquisitivo.

Las pintaba en superficies lisas con colores vistosos y vivos.

También pintaba a sus amantes homosexuales o sus amigos mientras estaban en las duchas. Es otra serie de su gran obra, las imágenes de las duchas.

Como hemos comentado anteriormente, David Hockney ya había reconocido su homosexualidad, de ahí su contenido.

En cuanto a los matrimonios de estilo, solía plasmar en sus lienzos aquellas parejas a las que admiraba en sus momentos cuotidianos. Una de ellas son estos dos amantes, Chris y Don, uno escritor y el otro pintor. Ambos estuvieron casados durante más de 33 años y era una pareja a la que Hockney apreciaba.

Dejando a un lado el pop art, presente en todas las obras anteriores, encontramos su afición por el collage y la pintura de paisajes. En la fotografía trabajó con una técnica innovadora que consistía en hacer series de fotos de un mismo motivo en diferentes momentos del día y reunirlas formando un collage.

Nos parece un autor con muchos recursos y técnicas muy distintas que hacen su obra muy variada y personal. Hoy en día sigue trabajando e innovando el mundo del arte con sus trabajos.

ESTER RUEDA; SILVIA MORALES; NATALIA VALLS

Tom Wesselmann

Nació el 23 febrero de 1931 y murió en Nueva York el 22 de diciembre de 2004.

Después de concluir sus estudios en su ciudad natal Cincinnati, fue llamado a alistarse en el ejército en 1952 y allí realizó su primera incursión en las artes plásticas como dibujante de tiras cómicas mientras prestaba el servicio militar.

A su regreso en 1954, inició su carrera de psicología en la universidad y al mismo tiempo perfeccionaba su estilo en la Art Academy Of Cincinnati, ganaba también algún dinero vendiendo sus propias tiras cómicas.

Poco tiempo después, en 1956, bajo consejo de un profesor se trasladó a Nueva york donde descubriría a las grandes figuras del Expresionismo Abstracto, sobretodo de De Kooning, por quien sintió una curiosa admiración.

Después de una importante crisis emocional Wesselmann decidió definitivamente que debía abandonar todo y ser pintor.

Tom Wesselman, que perteneció al movimiento pop-art, se intereso por el tema de sensualidad y la mujer, representando en la mayoría de sus obras mujeres desnudas resaltando sus partes más sensuales como los labios, las piernas o el pelo rubio.

Describía también lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Su estilo enlazaba directamente con el mundo de la publicidad.

El arte de Wesselman fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus fáciles y divertidas y a sus contenidos que no eran complicados de captar.

Creemos que lo más interesante de Tom Weselmann es su evolución en la trayectoria artística, ya que empezó con la producción de tiras cómicas en el ejercito, pasando por sus famosos desnudos y finalmente realizando etiquetas como las de Malboro o Coca-Cola y espacios tridimensionales.

Carla Aparicio

Laura Fernández

Nathalie Juanola

Jasper Jhons

Jasper Jhons Nació el 1933 en Georgia, USA. En 1949 ingresa en la Escuela de Arte Comercial de Nueva York. Destruyó todas sus obras iniciales. En 1954 conoció a John Cage, un productor musical propulsor de la música electrónica. Más tarde empezó diseñando escaparates en Manhattan. Su obra desembarca en Europa y será premiado por la Bienal de Venecia.

El estilo de Jasper Johns nos recuerda al expresionismo abstracto, concretamente a Pollock, por sus pinceladas, que no a sus artistas contemporaneos. Jhons juega con composiciones ordenadas que crean una sensacion de caos, los colores que utiliza son vibrantes pero se mezclan entre sí para favorecer esa sensación de desorden. En cuanto a las técnicas toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje. También encontramos influencia en el cubismo por el uso de el efecto collage. Y en la técnica de los crosshatchings basados en los graffitis.

El artista juega con la creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente) mediante trazados tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o poli cromáticos, inversiones de figura y fondo, cambios de tamaño, combinaciones de formas y figuras ambiguas. También inserta en sus obras .

En sus composiciones podemos ver que están realizadas y estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación.

El espectador también puede participar de la obra ya que observandola desde distintos angulos puede apreciar matices nuevos.

Como artista perteneciente al movimiento Pop Art creará la bandera de los estados unidos, através de la técnica de la encáustica que consiste en diluir los pigmentos en cera caliente, y la convierte en una obra, un producto para vender.

García, Gómez, Pedrós.

Artista pionero en el movimiento Pop, nacido en 1929 en Suecia. Sus inicios son totalmente distintos a las obras que hoy en día encontramos; empezó con la técnica del collage, del cual destacan unas barras de labios como objeto principal, situadas en el centro de Picadilly Circus (Londres).

En el año 1942 Claes Oldenburg se une, no solamente en lo profesional si no también en lo sentimental, con Coosje Van Bruggen con la que inició una nueva etapa, la escultura monumental.
Este tipo de escultura se caracteriza por reproducir elementos cotidianos hechos a gran escala, tomando cada obra un significado en relación al entorno. Como característica principal, observamos que todas sus obras se encuentran al aire libre. Ponemos como ejemplo, la obra llamada “Shuttlecocks” o Volantes que esta formada por cuatro volantes de bádminton colocados de manera que simulan un partido. La colocación es estratégica, ya que debemos de tener en cuenta que tanto el museo (Nelson-Atkins) como el jardín simulan el terreno y la red del campo de juego, formando parte así de la obra.

Otra de las obras que más no has impactado es la llamada “Flying Pins”, que nos muestra la congelación del movimiento. La escultura representa una partida de bolos que al estar situada en una avenida céntrica de la ciudad, podemos entender que ésta simula la pista de juego. También, los colores elegidos para la obra creemos que son muy adecuados ya que nos encontramos en los Países Bajos caracterizados por ser sombríos y al utilizar colores llamativos como el amarillo y el rojo, consigue dar luminosidad al entorno.

Creemos que las obras comentadas anteriormente son las que representan mejor sus ideales, aportando a cada una, un concepto distinto.
Nos parece un artista curioso e ingenioso que impacta en todos con cualquier escultura.

DE: Cañabate, Fernández Urrutia, Granados.

¿Pero qué es lo que hace a Richard Hamilton hoy día tan diferente, tan atractivo?

Nació en 1922.

Fué el primero en separarse del expresionismo y del academicismo abstracto. En 1938 comenzó sus estudios de pintura en las Escuelas de la Real Academia de Londres. Y en 1952 comenzó a impartir clases de tipografía y diseño industrial.
1956 exposición “This is Tomorrow” en la Whitechapel Art Gallery de Londres.

Como pintor y diseñador admiró a Duchamp. Conservaba la objetividad de las imágenes populares. Sus obras se centraban en objetos de consumo y además marcó pautas para clasificar una obra de artística: que debía ser popular, pasajera, de bajo coste, producida en masa, joven, ingeniosa, sexy, evasiva y atrayente. De manera sus obras eran de repertorio icónico, de la cultura urbana de masas incentivando así al consumo.

Durante 1960 realizó trabajos de fotografía y experimentó con procesos de fotomecánica.

Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?

Desde nuestro punto de vista, creemos que Richard Hamilton, fué unos de los primeros artístas que declaró unos principios para el Pop Art Británico, y uno de los precursores, del arte digital, consiguiendo así, mayor resulución y calidad, a las imágenes que no se conseguía en la pintura. De manera que mucho más tarde, artístas se han sumado al arte digital.

A partir de las siguientes citas celebres del polifacético artista explicaremos bajo nuestro punto de vista el concepto que tenemos sobre el sumamente explotado Andy Warhol.
- "La inspiración es la Televisión."
- "Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles."
- "He decidido algo: comerciar cosas realmente fétidas. Enseguida se convertirían en éxito en un mercado masivo que realmente apesta"

Paulatinamente , averiguando sobre los artistas pop art, estamos deacuerdo en que crearon un nuevo etsilo, y son fieles a romper con lo establecido. Sin embargo este nuevo arte se convirtió en un autentico negocio donde aclamados artistas como por ejemplo el susodicho Andy Warhol, descubrieron en buen momento las dos caras de la moneda , la cantidad de monedas. Así se convirtió en un artista con una interminable producción ya que era en serie, donde tuvo cabida desde la inconbustible Marylin Monroe hasta un contemporaneo Silvester Stalone. Pasando por cine, moda, literatura, escultura, musica, cortometrajes..... e incluso customizar carrocerias de coche para las 24 horas Lemans.

Finalmente añadir que pese a esto, o gracias a esto, su estilo perdura a dia de hoy.

PD: POR 10 € TIENES UN RETRATO WARHOL EN PHOTOPRIX....

pERE rOdRiGueZ y JoSe mArIa GaRCiA........

Robert Rauschenberg, artista multidisciplinar, pionero del “Pop Art”

• Una de las figuras artísticas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
  

Pintor estadounidense nacido en Port Arthur, Texas el 22 de octubre de 1925. Estudió farmacia pero sobre el año 46, entró en la Kansas City Art Institute, para formarse en arte, después estudió en Paris y en diferentes escuelas de Estados Unidos de entre ellas el Back Mountain Collage de North Carolina, conociendo en esta última a John Cage.
Sus “combines Paintings” fueron lo que tal vez le hicieran mas famoso. Consistía en materiales no tradicionales y objetos reales que se empleaban en combinaciones innovadoras. Se podría decir que combines es a la vez pintura y escultura empleadas las dos juntas, dando así un aspecto tridimensional a sus obras.
Rauschenberg, representó un papel muy importante en la evolución desde el expresionismo abstracto al pop art. Fue un incomprendido hasta la llegada del 'pop art', este movimiento reconoció sus obras.
En 1962, bajo la influencia de Andy Warhol, comenzó a experimentar un nuevo tipo de técnica artística que se convirtió en la base de su trabajo en los siguientes años: la serigrafía, primero en blanco y negro, después en color. Por medio de este método incorporaba en sus obras imágenes fotográficas impresas sobre paneles de seda que luego transfería a sus lienzos, superponiéndolas y mezclándolas a modo de collage, y las completaba con pintura al óleo.
Al conocer Robert a Cage permitió que este colaborase en muchos proyectos de nuevas formas de expresión en el arte, como la música. Siendo incluso director de escena de la compañía de danza de Merce Cunnigham.
John Cage fue el primer músico que creó música a partir del silencio. Creía en la música mediante ruidos, pudiendo así hacer cualquier sonido. Su idea era que a partir de objetos se podía hacer sonidos nuevos, esto lo utilizó para crear nuevas formas de música.
La performance también fue otro medio de expresión que Rauschenberg decidió experimentar. Al llegar a los sesenta surgió un nuevo modo de crear y exponer arte, gran parte fue debido a la aparición de la televisión. También la aparición de la portapack siendo esta una cámara portátil, ayudó a que cambiara la manera de hacer arte.
La historia de la performance art empieza a principios de siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas.
El arte de la performance no es sino una acción, una obra de arte que sucede sólo en un momento y espacio de tiempo en concreto, acciones en la que participa el artista y en muchos casos los espectadores.
Su constante búsqueda de nuevas formas de expresión en el arte, le han convertido en uno de los artistas más influyentes en los jóvenes creadores de las últimas décadas del siglo XX.

SERIGRAFIA

COMBINE PAINTIGS

Alejandro Emina - Zaira Mellado

COMIC: ARTE PARA TODOS LOS PÚBLICOS

ROY FOX LICHTENSTEIN

Nace en Manhattan (Nueva York) el 27 de octubre de 1923.
Vivió des de su infancia, durante la década de los 20, el movimiento surrealista impulsado por André Bretón y la nueva visión del arte con la escuela Bauhaus, influencias que más adelante surgirán en sus obras. Fue un pintor, artista gráfico y escultor, que des de pequeño se había interesado muchísimo por el dibujo, pasando gran parte del tiempo dedicado a ello.
En la década de los cuarenta, coincidiendo con su ingreso en la Universidad de Ohio para estudiar Bellas Artes, empieza su gran producción artística, dedicándose primero a dibujar bocetos en blanco y negro siguiendo la línea de Picasso y Braque. Durante la década de los cincuenta, sigue dibujando el mismo tipo de bocetos pero ahora añadiendo color. Es en 1951 cuando Liechtenstein hace su primera exposición en solitario en Nueva York, dónde se exhiben junto a sus cuadros tótems de madera tallados y ensamblajes de reyes, caballos y guerreros de metal con piezas encontradas como tuercas y brocas.
Es en la década de los sesenta cuando produce sus obras más reconocidas, evidentemente dentro del arte pop, movimiento que empezó a mediados de los cincuenta en el Reino Unido y que no llega a Estados Unidos hasta los años sesenta. Produce una serie de piezas que parten de imágenes tomadas del mundo del cómic. En ellas utiliza técnicas como los puntos Benday , que acabó registrando como marca propia. La técnica consiste en colorear una superficie mediante puntitos utilizando los colores primarios. Para obtener los demás colores, mezclaba los primarios creando así los secundarios y terciarios. Durante la década de los setenta se dedica a pintar naturalezas muertas utilizando la misma técnica y colorido característica del arte pop. Es ya en los años ochenta cuando se centra en las líneas del estilo abstracto, y acaba así pintando mediante la abstracción geométrica.
Finalmente en la década de los años noventa se dedica a pintar interiores de casas sacados de anuncios de las páginas amarillas. Y como sucesión de esta, obras con coquetos y juguetones desnudos. Como pintor, escultor y grabador recibe numerosos premios a lo largo de su carrera. Finalmente muere a la edad de 73 años, el 29 de setiembre de 1997.
Después de hacer un breve y rápido repaso por la obra del autor, hemos podido comprobar que a parte de su época más famosa y vistosa dentro del arte pop, estuvo influenciado por grandes autores que le precedieron como Picasso des de el cubismo, Monet con su serie de obras sobre las catedrales, y con sus ensamblajes también podríamos considerar que estuvo influenciado por la vanguardia dadaísta y las obras de Duchamp.

En cuanto a sus obras más famosas, los dibujos representando tiras de cómics, nos ha llamado la atención la técnica utilizada para colorearlos. Al igual que muchos de sus colegas contemporáneos, grandes artistas dentro del arte pop, como podría ser Andy Warhol, lo que hacía era ampliar al máximo las dimensiones de sus obras. Por eso, al ampliar una tira de cómic recortada del periódico o de cualquier publicidad, veía representada en ella la pixelación de la coloración, lo que el intentó imitar plasmando los puntitos de colores primarios en sus obras. Con ello inventó la técnica Benday que acabó registrando como marca propia. Creando así un estilo propio dentro del arte pop.
Su intención con estas obras era reducirlas a simples elementos decorativos, por eso la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. Y así creaba obras de arte de lo más popular, que de hecho era a lo que se debía el arte pop, obras que podían llegar por igual a cualquier tipo de público, al igual que los cómics que gustaban tanto a adultos de cualquier edad como a adolescentes e incluso a niños pequeños.
En definitiva un arte divertido, desenfadado, juvenil, alegre y sobre todo dinámico que nos ha encantado descubrir.

PARRA, GIRALT, ESCUDERO

Arte Contemporáneo II

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